南村居士后花园 Anything about Photogrpahy

简体中文版将于近期推出，请密切留意！

引言
翻译/汪梅子

　　这本书的主题是对人物、风景和文化充满热情的摄影。这本书告诉你如何追寻你自己的视角，尽可能清晰和热情地为你讲述故事，同时配有动人的摄影图片。这本书写给所有想拍摄自己喜爱的地方和人们的人，不管他们是否曾经为此环游过世界没有。
　 　你还应当知道这本书不是什么。它不是使用说明书，你购买相机的时候已经附赠一本了。这本书也并不是要告诉你选择何种拍摄对象或者如何拍。最确定的是，这 本书的主题并非“旅行摄影”。这类书已经出了不少，无需再赘言应当把胶卷塞进铅袋里保存携带。在着手进行这个计划之前我已经做了调研，读了不少这类书。现 在我可以打保票地说：没必要再写一本新手指南。
　　当然了，旅行摄影者和不需要旅行的摄影者需求肯定有所不同，但不管是否远行，与人、地方和文化的邂逅故事讲述起来总有相通之处。装备和旅行的细节只会出现在游记类的书中，而我这本书要谈的是视角。
　 　我之所以写这本书，是因为我希望我自己能有这样一本书。网络书店上充斥着摄影技巧的指导手册，但却鲜见告诉人们为何摄影的书。我很清楚写书有多异想天开 和自以为是，作为作者的我们——虽然我本人还不过是个新手——宣称我们的书很有价值，而作为读者的你则应该掏上40块大洋聆听我们说教。简直太疯狂了。所 以，我为读者呈上这本书时充满谦卑，至少我希望如此。同时我也希望这本书能给一些读者提供帮助，就像我的前辈为我提供的帮助一样。
　　我在这本书 中太多次提及“视角”这个词。副标题里有，章节引言又有，正文里也一再出现。这并不是因为我健忘，甚至不是为了凑字数好取悦我的编辑，不过你也别以为我没 考虑到这一点。不过请相信我，我要是为了这个原因的话，就会用些更体面漂亮的词了。他们说重复是件好事儿。他们说重复是件好事儿。抱歉，这个笑话太冷了。 不过你明白了吧？这本书的主题是对人物、风景和文化充满热情的摄影，但并不从摄影技术角度讲述。我根本没有任何想法和欲望要这样做，连迫切需要也没有，根 本没这个必要。如果你从这本书中有所收获，那么我希望你所获得的是寻找和在摄影中利用视角的新方法。我也希望这本书能为你提供一些提高摄影技术并更好完成 拍摄任务的工具。
　　这本书来自我自己作为一个摄影者的旅行经历，和所有的摄影者一样，我也在学着看，学着以愈来愈明晰的方式来发现并表达我自己的视角。我希望这本书能为你在自己的旅行中提供一些指导和灵感。　　

注：本文为节选翻译，原书还有170多张图片，本书简体中文版的出版，请关注本站报道。

前言
　　翻译/陈伟斯

　　这是一本探究照片的呈现形式和考究为什么会构成这种呈现形式的书。它关注的是照片的风格和传统：摄影师如何将对各种具有可能性的感知融入他们的作品中。
　　摄影术的发明提供了一种激进的图片制造过程，这个过程是具有选择性的，而非全面的。这是一种本质的区别。绘画是人为主动的创造，由传统的技法、构图和态度构成的；而摄影是被动的，正如你无法自由排布街上的人。
　 　这种差异为新的秩序提出了一个创新的论点：这种机械式的、毫无思想的过程如何为人类提供一种有意义的影像呈现------照片为何能表达清晰的、一致的 观点？事实很快地表明，那些沉溺在保守形式中的守旧者是无法获得答案的，因为大部分的摄影师都被剥去了陈旧的艺术传统。诗人波德莱尔为对摄影评论道：“这 种强占了艺术领域的工业行为，已经成为了艺术最致命的敌人了。”然而，在参照他的话，波德莱尔只说对了一半；新的媒介显然不能满足旧的尺度。摄影师必须寻 求新的方式去更清楚地表达他们的思想。
　　这些新的方式或许能被那些对传统影像标准放弃忠诚的人寻获，或者是一些对传统一无所知的人，因为他们无 须为打破陈规而放弃什么，其中，以后者居多。在最早的时期，由成千上万的人实践着摄影，他们没有共同的传统，也没有一致的训练；他们并没有获得摄影学院或 协会的传授；他们只把这种媒介当作一种科学、一种艺术、一种生意或是一种娱乐；他们甚至通常不理会别人的作品。摄影由科学家和画家发明，但实践摄影的专业 人士却大不相同。
　　新媒介的出现成就了千万人的职业------转型的银工匠、思想家、药剂师、铁匠和画家。如果摄影是一个新的艺术门类，那么 这些人就有了天然的优势而不必重新学习。他们制造了大量的影像。1853年，《纽约每日论坛报》指出，估计该年有三百万张银板被制造。其中一些产品会聚了 智慧、技巧、感性和创造；大部分的产品凝聚了意外、即席创作、误解和实验性的探索。但是，无论那作品是艺术创作还是运气得来的，每张照片都是构成对传统观 看习惯的冲击。
　　在十九世纪的最后十年间，更多的专业人士和高级业余爱好者甚至成为了随意“快照”的主体。在十八世纪初，人们能购买到可立即使 用的干板，它代替了难以控制的、脏乱的湿板感光材料（使用湿板的时候，必须在曝光前准备材料并在其干透前进行曝光）。干板的应用使手持相机和“快照”成为 可能，摄影也变得更容易。在1893年，一为英国作家抱怨道：这种新的技术条件“为摄影师创造了一个敌人，他们疯狂地肆虐全球，可以拍摄任何条件下的任何 种类、任何大小、任何形状的物体，却没有丝毫停顿和思考，这难道是艺术吗？。。。。。。他们观察到一个场景，对焦，然后就拍摄了！没有任何间隙，为什么会 这样？对于他们来说，构图、光线、过度、形式感和质感都是要捕捉的语言。。。。。。。”
　　那些由众多学徒工和爱好者拍摄的照片，与之前出现的照 片大不相同。那写肖像照的多样性是巨大的。那些视点和光线的精妙变化、流逝的瞬间和变幻的影调都构成一幅新的照片。一个训练有数的画匠可以从上千个角度画 出手部和脚部。而摄影师可以发掘出手部有无穷的姿态，对于他们而言，同一堵墙上的阳光总是变化万千的。
　　大部分的照片看似毫无章法，且具有偶然 性，但有一些却显示出不可思议的统一。有些新的照片是那样的难以忘怀，看起来意义非凡，超过它们本身的含义。当人们审视这个真实的世界时，这些难忘的照片 扩展了人们的感知和想象力。当它们被记住了，它们就流传下来了，就像有机生命一样，不断地再创造和发展。
　　但是，摄影并不只是描述那些新事物 的；摄影也同时归属于那些它选择描述的事物。摄影师“。。。。。。可以拍摄任何条件下的任何种类、任何大小、任何形状的物体，却没有丝毫停顿和思考，这难 道是艺术吗？”绘画是有难度的、昂贵的和宝贵的，它记录了那些被认为是重要的东西。摄影就简单多了，廉价且普遍存在，它可以记录任何事物：店铺的门窗、房 子、家里的宠物、蒸汽机和无关重要的人物。并且，一旦被客观地、永久地记录下来，这些微不足道的事物都会具有重要性。到了世纪末，即使是穷人，也会知道他 的祖辈的容貌。
　　摄影师通常以两种方式学习：首先，像技术工匠一样熟知他们的工具和材料；其次，可以向其他摄影师学习，而这也是学无止境的。不关他们的思考是商业化的还是艺术的，他们的传统观念总是基于那些曾在他们意识中留下深刻印象的其他摄影师的作品。
　 　这本书里的照片都是在过去的一个多世纪里拍摄的。它们都有具有被留为历史的意义，拍摄的人具有各种关怀与才能。他们几乎没有共同点，除了他们的成功和共 享的理念：这些照片都是不可错过的。他们所共有的视觉并不属于学院派或美学理论，而只属于摄影本身。这种视觉的特质是摄影师在工作中发现的，正如在他们意 识中成长的摄影潜力一样。
　　如果这是真的，那么我们这样考虑，摄影师进步意识的特质和问题是否在媒介发展的历史中固有的。下面将对五个争论点进 行讨论。这些论点并不是要把摄影作品分类定义，相反地，他们应该作为独立的角度来思考------正如我们可以分阶段研究摄影传统的主体一样。正因为如 此，我们期待这几个争论点可以为讨论摄影这种独一无二的现象提供更紧密的表达方式和批判性的角度。

一，事物的本质
　　比其他图像更有说服力的是，摄影唤起了现实的切实存在。摄影最基本的职能与其最广泛的可接受性成为对事物本质的最有力的补充------那是一种事实更简单的、更持续的、清晰的可视的说明。

二，细节
　　当摄影师离开了工作室，他就不可能像画家那样复制图式。他不能随意安排战争的场景，不能将浮置于空间与时间的各种元素进行排布，也不能重新整理照片个各个部分来构建或设计，以达致另他满意的呈现状态。摄影师会更直观地寻求有意义的细节，它不善于描述却直指事物的象征。

三，框架
　　提炼拍摄的内容是摄影师的必备手艺。核心问题是非常简单的，什么应该被保留下来，什么将被舍弃？觉得去留的界限就是照片的边缘。国际象棋手从棋盘的中间开始博弈，而摄影师从框架开始。

四，时间
　　照片与时间有着紧密的联系，因为他们描述的永远是“当前的时间”。

五，优势
　　如果摄影师不能摆布拍摄的主体，那么，他可以选择移动他的相机。为了使拍摄对象更清晰，或需获得全景，他不得不放弃平常的视角而尝试其它角度，例如从上面或下方，从很近的距离或很远的距离，从后方来重置事物顺序的重要性，或将平凡的事物遮挡一部分。
　　从照片上看，摄影师领悟到，世界的表现形式远比人类想象的更丰富，也更简单。
　　摄影师会发现，不只能呈现清晰也能展现模糊，那些神秘而含糊的照片在他们的表达中可以暗示出秩序和意义。

完

第一部分 人类的视觉自传：报道摄影的基础
    第三节 关怀摄影师（The Concerned Photographer）

摄影结合了那些自发性和直接的元素，表明事件“就这样发生了，就是这样真实的”，并且通过奇妙的魔力使之成为活生生的照片。这些照片从历史的角度来看，会越来越有意义。
——Dan Weiner, The Concerned Photographer

    我的报道摄影生涯是丰富的，因为我一直扩大与摄影师的联系，他们热爱我们生活的世界，他们不断自我完善，他们不把摄影单纯看作经济来源。这些性格特征就是关怀摄影师的定义。黑星图片社的关怀摄影师名单是冗长并另人注目的；在名单上的人都是与我知心的，他们共同分享我的新闻报道哲学。
    辨别纪实摄影和关怀摄影的界限是微妙的。关怀摄影师是纪实摄影师中的一个特别的群体，他们对人类和人性的关怀是卓越的，是完全奉献的。记得有一次，我问James Nachtwey在报道战争状况时，如何选择站在哪一边。他简单却意味深长地回答，“我站在人道主义那边，这是唯一你可以选择的。”关怀摄影的殿堂里的那些摄影师，都是选择人道主义胜过自我利益，同情多于冷酷的。

Cornell Capa与关怀摄影师
    国际摄影中心（International Center of Photography）的创始人Cornell Capa虽然没有明晰定义“关怀摄影师”，但他用了一个概括报道摄影传统的词汇在形容这样的摄影师。这个词汇将成为摄影知识体系中的一部分，就像Henri Cartier-Bresson的“决定性瞬间”（decisive moment）和Edward Steichen的“人类大家庭”(family of man)一样。
    作为摄影师和报道摄影的拥护者，Cornell Capa用一种单纯的心态去追逐他的职业生涯，这种单纯的心态跟他的哥哥Robert Capa有着莫大的关系，后者在1954年于中印边境遭遇地雷而亡。Robert Capa、Werner Bischof、David Seymour、Dan Weiner等先辈的离世，使Cornell Capa决定去收集这些先辈的不朽作品，并宏扬他们所代表的传统。
    作为报道摄影师，Cornell Capa在1965年为纽约河畔博物馆的艺术指导Oriole Farb计划策划一个摄影展，展出Robert Capa、Werner Bischof、David Seymour、Dan Weiner、Andre Kertesz、Leonard Freed等人的作品。河畔博物馆自从30年代展出过Lewis Hinn的作品后，再也没有举办摄影展。Farb希望这是个有主题的摄影展，就像“人类大家庭”那样。于是她向Cornell Capa提出，找出一个可以将影展中各摄影师的作品联合起来的主题。
    Cornell Capa为这个问题绞尽了脑汁。最终，在1965年12月，Capa从水路前往墨西哥的途中，突然灵光闪动，他对妻子说：“我们一直在谈论Bischof、David Seymour、Weiner等人代表的传统，但我们说了更多，都没有解释这种传统是什么。它们的作品总联系着对人类的关怀，不是被他们的风格所主宰的。”就次，“关怀摄影师”这个词汇被铸造了。这成为河畔博物馆的影展主题，以及相关出版物的名称。
    为了给“关怀摄影”更精确的定义，Cornell Capa从Lewis Hinn处获得灵感。Lewis Hinn写到“有两种事情是我想做的，我想呈现那些被惩戒的事，也想展现那些被传颂的事。”Cornell Capa发现，他应该把关于“关怀摄影”的摄影作品收集整理起来。于是他在1966年成立的“关怀摄影基金会”，随后在1974年，它发展为国际摄影中心。在The Concerned Photographer这本书中，Capa表达了他对摄影师工作条件的担忧，不少才华洋溢的摄影师在工作中丧失生命。“今天，大量的照片被拍摄，但没有人会对拍照前发生的事情感兴趣。相机的制作技术越成熟，摄影的门槛就越低。摄影正在丧失自身应得的尊重，同样，摄影也逐渐失去真实性和公信力。摄影显然是最普及的现代艺术形式，它是人与人之间、国与国之间最重要、最有效、最普遍的，事实和意志的传播工具。但我也深信，大众传媒因出版需要而对摄影的控制，会危及我们的艺术、道德和专业标准，甚至会埋没视觉艺术家的个性。
    “关怀摄影基金会”以及它所强调的，对生活和时代记录的真实性，影响了一代年轻的摄影师，继承了纪实摄影的传统，并把这种摄影哲学传递给未来的报道摄影师。随着《生活》、《观看》和《星期六晚报》等大众媒介被电视所取代，这种哲学成为报道摄影希望的脊梁。

那些关怀摄影师的前辈
    那六位在河畔博物馆举办“关怀摄影展”的摄影师，都选择了不同的处理手法，不同的拍摄对象，不同的审美观念，但他们都延续了Lewis Hinn的哲学思想。
    Werner Bischof的视觉美学是简单、有力、严谨的，并带有显著的人道主义精神。Ernst Hass说：“Werner Bischof的为人可以与他的照片相提并论。他总是很幽默，有尺度的幽默。他很敏感，带男子气质的敏感。他的照片有绝对化的倾向，仿佛一颗沙石就是一个世界，一个孩童就是所有的孩童，一场战争就是所有的战争。”
    Robert Capa因那些在前线拍摄的战争照片而闻名，那些照片记录了残酷的战争，但却充满了人类的情感。他说：“我在西班牙内战时成为一名战地摄影师。随后，我经历了二战等惨烈的战争。我希望当这些战争都结束后，我可以成为一名失业的战地摄影师，直到终老。”只可惜事与愿违。
    David Seymour是位兼具激情与同情心的摄影师。相对与其他那些关注战争场面的摄影师，David更关注战争的无辜受害者，特别是儿童。Henri Cartier-Bresson对David这样评价，“他拿起相机的动作就像医生从袋里拿出听诊器一样，去平复他自己那颗平凡的心。”
    Dan weiner把社会意识具体化，“并试图将有意义的片段从琐碎的日常生活正提炼出来，”剧作家Auther Miller说，“他的作品不但透露出他深沉的严谨，也展现了他孩童般的好奇心。他的笑声仿佛就是他对快乐的渴望。”
    同在1966年河畔博物馆参加影展的，还有两位来自不同时代的个性十足的摄影师。其一是Leonard Freed，37岁的他当时正处于摄影生涯的鼎盛时期。他延续了Cornell Capa的理念，记录了当时的美国以及以色列的“六日战争”。他代表了一代未被肯定的关怀摄影师，Freed表示，“我突然觉得，我属于那种传统。”千千万万的摄影师追随这种传统，他们力图用视觉方式记录人类的历史。很多摄影师为之付出代价，甚至牺牲了宝贵的生命。
    最后的一位是Andre Kertesz，他在Cornell Capa的心目中有着特殊的地位，这位匈牙利人曾经帮助过早年的Robert Capa。在摄影圈中，Andre Kertesz的故事最为坎坷。作为一个有声望的欧洲摄影师，他在1937年来到美国，但他发现，欧洲的审美观念跟《生活》杂志华而不实的风格大相径庭。Kertesz从来也没为《生活》工作过，他起初是自由摄影师，后来成为Conde Nast出版社的合约摄影师。在纽约的生活使Kertesz感到痛苦、幻灭和孤独，因为摄影圈子并不欣赏他的作品。然而，一次偶然的事件使这位传统的纪实摄影师重新活跃起来。
    在1964年，John Szarkowski在现代艺术博物馆策划了一次Andre Kertesz的影展，展出了40幅作品。随后，瑞士著名摄影杂志Camera Magazine的主编Romeo Martinez发表了一篇关于Andre Kertesz的特稿。Cornell Capa带着kerstesz的作品推荐给身在布拉格的出版人Anna Farova，这位艺术史学家曾为众多摄影师出版画册。最后，Capa把Kertesz带到日本举行影展，在那里，他最终获得认同和尊重。也是在日本，Kertesz从大英百科全书的Frank Gibney处获得工作机会。
    某种一样上说，默默无闻的Kertesz是因为一系列偶然的事件才没有被埋没。而其中，Cornell Capa扮演了重要作用，“他将一只禁锢在自我枷锁里的鸟放飞出来”。Kertesz的作品影响了随后的一代摄影师。
    1972年，Cornell Capa出版了《关怀摄影师2》，新增加了8位摄影师的作品：Don McCullin，对战争的痛恨促使他去记录了众多战争和冲突，如Cyprus、the Congo、Biafra、Vietnam、Cambodia、Northern Ireland、Bangladesh； Ernst Hass，探索自然界之美；Marc Riboud，寻求人类的共性；Dr. Roman Vishniac，记录了犹太人在欧洲的悲剧；Hiroshi Himaya，表达了日本人民对环境的重视；Gordon Parks，诠释了黑人面临的种族歧视问题；Bruce Davidson，深入观察了纽约的黑人生活区；Eugene Smiths，用图片故事赞美了生活和人性精神。
    “关怀摄影的传统是依然存在的，”Cornell Capa说，“令我惊讶的是，全世界有很多摄影师依然坚持在没有资助的条件下进行这样的工作。就像是一种信仰。他们之所以这么做，是因为他们对人性的关怀，以及他们坚信这对我们的时代是重要的、中肯的。

其他关怀摄影师
    关怀摄影可以帮助改变世界。在我的职业生涯中，我遇到很多知名度较低的摄影师，他们有着非凡的贡献和激情。关怀摄影同样能变成“倡导型摄影”（Advocacy Photography），其中，摄影师会带着明确的目的，更主观投入地，阐述一个主题。
    Stephen Shames曾经用七年完成一个关于美国贫困儿童的专题，作为一个关怀摄影师，他成功地使用摄影这个工具去改变社会的面貌。在他拍摄这个专题期间，他跟他的拍摄对象同吃同住。与他们生活在同一条件下，使Stephen更接近贫苦的人，并成为他们生活的一部分，分担他们的痛苦，这样可以更好的理解他们。这都在他的照片中反映出来。与拍摄对象一起生活，通常会模糊了主观报道和客观报道的界限。有更多主观参与的新闻报道可能会带有摄影师强烈的个人感情色彩，但这样也同样使摄影师有更深入的观察力和揭示力。
    综观摄影史，摄影师用他们的相机去推广他们的关注的社会与环境事件。William Henry Jackson就是这样的摄影师。他的湿板照片帮助说服美国国会把黄石自然区指定为第一个国家公园，为后一带的摄影师留下这块瑰宝，达到了他初始的目的。
    另一位是Matt Herron，他自成一格，且是一个热衷于政治和社会改革的激进份子。同时，他也是为报道摄影师，善于用摄影对他选择的主题进行抗争，我们称之为“对立摄影”（Confrontational Photography）。使用这种方式意味着反对暴行，并直接地对抗它，勇于作为冲在最前线的见证者。他这样做，是希望能通过把观察到的暴行戏剧化，达到扩大影响的目的。
    我第一次与Matt Herron碰面是在1963年，当时，他正在组织“南方纪实计划”。这个计划并不是为了拍摄民权斗争，而是那存在戏剧性对立的人与土地的背景。他梦想建立一个个人的档案，包括朝鲜战争期间的“贵格会”和反战情绪。Matt是“宾州种族平等议程”第一章的三个起草者之一。1962年，他与William Sloane Coffin牧师一起入狱。Herron跟之前提到的报道摄影师有着明显的差异，因为，他不仅仅作纪实摄影，而且积极地参与其中。
    1979年，Herron因抗议猎杀海豹，在加拿大被捕。当时，每年有74%的纯种白海豹被猎杀，它们仅仅3到19天大小。理论上，直接打击海豹的头部会使之直接死亡；事实上，需要好几下猛击才会至死。那些猎杀者是靠海豹皮获得报酬的，他们争分夺秒。解剖学家指出，有半数的海豹都是在未亡的状态下被剥皮的。Herronn成为第一个率领抗议者乘坐破冰船到达北海的人，他回忆道，“听起来像一次伟大的冒险，但如果我没有获得文字和图片约稿的话，我也许就不会去了。开始的时候，这个关于海豹猎杀的故事让一些杂志觉得老套，但最终，GEO杂志同意使用我的主意，所以我才去了。我是单独行动的，但我不确定能否达到目的，例如求证这种杀戮是否人道，海豹是否濒临灭绝，这种杀戮是否当地经济不可或缺的来源。”
    那是一次不可至信的行动，抗议者的目标是破坏白海豹的商业价值。他们会往海豹身上喷洒不可去除的有机染料。Herron预计，大约1000只海豹会因而存活下来。一但来到冰上，Herron马上开始工作，“我并没有参与喷染海豹的行动，因为那不是新闻报道范畴的事。尽管我也是抗议者，但我仍坚持我扮演的报道者的角色。我知道会有被捕的风险，但我想作为报道者和摄影师被捕，而不是喷染者。
    黄昏过后，已经驶过了冰洋的破冰船在夜间找到了豹群，Herron开始拍摄。突然，地平线上飞来四架直升飞机。Herron回忆道，“抗议者被驱散，像上演警察抓小偷一样。我尝试在冰上跑动，但湿滑不已。”这些照片从此不见天日，Herron被捕了，他的相机被查封。但最后，有一卷胶片被曝光，并成为事件的证据。这个故事告诉我们，关怀摄影师为了事实的真相，可以牺牲个人安危，而Herron只是众多摄影师中的一员。
    接下来的一位是Flip Schulke。他是位孤立的人，性格古怪、精力充沛、固执。在Schulke的职业生涯了，他总是避免接受商业性的工作，而仅以报道摄影为生，对此，他引以为荣。尽管四十多年来，我和他的关系十分友好，但他对摄影和历史的负责，使我对他非常敬佩。他志趣和对社会的关怀是全方位的。“大部分年轻摄影师都使用报道摄影作为进入商业摄影的垫脚石”，Schulke对次感到失望，“你应该从最初开始想清楚你的信仰哲学并为之坚持。你不可能总让别人满意。当我想真正做一些事情的时候，我有时会像疯牛一样对人穷追不放。”
    Schulke在其职业生涯中选择的题材都带有强烈的个人兴趣，实际上，很多本杂志都使用他的照片，而且题材广泛，比如1960，年代的民权斗争和领袖|Martin Luther King, Jr.，1970年代的海底探险以及美国的太空计划。Schulke坚信报道摄影师承担的是历史学家般的角色。
    任何关于关怀摄影师的讨论，如果没有认同Sebastiao Salgado的作品，那必定是不完整的。Salgado，在1980年代，成为领导报道摄影的马格南顶尖摄影师之一。他的作品基本都在第三世界国家完成。我第一次遇见Salgado是在1982年，他获得W. Eugene Smiths纪念基金人道主义摄影大奖。他历时七年的纪实摄影作品被出版在《The Other Americas》一书中，其中记录了秘鲁、玻利维亚、厄瓜多尔、墨西哥和瓜地马拉的乡村生活。
    Jonathan Swift说，“视觉，就是看见不可见事物的艺术。”在一个Salgado演讲的开场白中，Salgado的策展人、著名作家、摄影评论家Fred Ritchin形容Salgado是一位“让不可见的事物被看见”的报道摄影师。他发现他拍摄的人物有种幽雅、成功感、胜利感；但同时，被生活的条件和不确定性所影响的人类的尊严感、自豪感、力量感，也被展现得淋漓尽致。
    Vicki Goldberg写到，“Salgado是一位自我指派到第三世界国家的使者，报道那些受苦受难的人的状况。那些人们对自己的命运没有掌控权，只能期待那些富有的人理解他们，帮助他们。Salgado拍摄的主题是很广的，从西非的饥荒，拉丁美洲的生存与死亡，到全球手工劳作的消逝。”
    出生于巴西的Salgado本是一名经济学家，1973年开始从事报道摄影。他常居巴黎，但他的作品名扬四海。他最近的专题是记录机械化与电脑化对全球手工劳动者的影响。这长期的旅程让他去过很多国家：中国、印度、前苏联、孟加拉、古巴、法国、巴西和美国。其中包括了一系列在巴西Serra Pelada金矿拍摄的精彩照片，那些满身淤泥的淘金者在泥泞中寻找细微金块的照片。
    1980年代中期，世界的目光聚焦在西非地区，在那里，因干旱而导致的饥荒威胁了千万人的生命。Salgado通过无国界医生组织在西非工作了15个月，记录了医护人员努力救死扶伤，为人类尊严对抗死亡宿命的过程。记录这个岁月的照片中，没有比Salgado的更能为人与自然的命运作出警示了。
    关怀摄影师的名号并不会为摄影师赋予神圣的定义，但如果有的话，Salgado必是达到这种境界的人。每个人都会认为，他的作品给他带来无与伦比的荣耀和财富。Salgado的工作都由全世界的主要杂志资助；他的印制品被收藏者和影像机构大量收藏。被关注和流言并不是必然联系在一起的，甚至没有一个人去质疑Salgado的拍摄动机和工作收入。可以断言，他那些关于不幸和灾难的照片让我们意识到这样的事实，并且对这个世界的两极差异有更深刻的理解。
    有时，这个世界让我们感到精神紧张和沮丧。Edward Steichen在他的90岁生日演讲中说到：“在我起初对摄影感兴趣的时候，我认为它全然是一块芝士。我会把它当作纯艺术的一种形式。但今天，我是究竟不当它那么一回事了。摄影的使命就是，去诠释人与人之间、人与自己之间的微妙。那并不是什么复杂的东西，而却像一棵娇嫩的植物一般纯真。”
    关怀摄影师都明白，他们的声音紧密联系着，人类对自身存在的根本意义的追寻。